Utrujen od kuratorjev kritikov, teoretikov in drugih skorajda arhitekturnih ljudi, se je bienale deset let po Massimilianu Fuksasu spet zaupal v roke arhitektu. Kazuyo Sejima je znani japonski arhitekt, eden od ustanoviteljev arhitekturnega biroja SANAA, avtor zgradb več velikih muzejev, med drugim New Museum v New Yorku, pa tudi Paviljon Serpentine Gallery 2009, dobitnik zlate nagrade 2004 Lion, ki je prejela Pritzkerjevo nagrado kmalu po imenovanju za kustosa bienala. Je tudi prva ženska kustosinja v zgodovini razstave. Toda po besedah direktorja bienala Paola Baratte je glavno, da je praktična arhitektka. Sejima to ponavlja v svojem kuratorskem sporočilu, ki se začne z "Bienale 2010 bo razmislek o arhitekturi."
V nasprotju z zagonetnim geslom "onkraj zgradbe" predhodnika, kustosa Aarona Betskyja leta 2008, ki ga polovica udeležencev v resnici ni mogla razumeti, druga polovica pa je prezrla, je letos Kazuyo Sejima predlagal preprost in dostopen slogan: "Ljudje se srečujejo v arhitekturi ", ki ni posebej zavezujoča. Očitno je, da sta v njej združeni dve stvari - arhitektura, h kateri se očitno namerava Bienale resno vrniti, in poleg tega arhitekturi nekakšna subtilna sociološka nota, za spremembo. Kljub vsemu je nemogoče popolnoma apsolutizirati glavno temo razstave; temu je treba dodati nekaj. Arhitektura za nekaj, a gradijo na primer, da se tam ljudje srečajo. Od tu je neposredna pot do javnih stavb, ki tako dobro krasijo kustosov portfelj. Poleg gesla je Sejima orisal še nekaj dodatnih pomenov: poudarek razstave je odziv moderne arhitekture na spremembe, ki jih je prineslo 21. stoletje, na informatizacijo in globalizacijo; meje, ki jih arhitektura označuje ali briše; in kakovost zgrajene arhitekture - doda Paolo Baratta v svojem sporočilu. Tako se bo po dolgem iskanju resnice "na strani" glavna svetovna arhitekturna razstava (in Beneški bienale seveda takšen) vrnila k svoji glavni temi, vodena z mehko in nevsiljivo žensko roko. Kuratorska razstava ima skupno 48 udeležencev, med njimi ne samo arhitekti, temveč tudi inženirska podjetja.
Glede glavne kuratorske razstave, ki je na bienalu vedno v stavbi Corderie Arsenal, je Sejima razglasil svobodo udeležencev in v manifestu dejal, da bo vsak udeleženec "svoj kustos" znotraj "neodvisnega" fragmenta arzenala notranjost, ki mu je bila dodeljena. Kustos pravi, da je raznolikost boljša od združevanja volje; z eno besedo, delajte, kar želite … Popolna svoboda; čeprav ob sprehodu po razstavi razumete, da to ni povsem res.
Obiskovalca, ki vstopi v prvo dvorano kuratorskega dela bienala, pozdravi orjaško kamnito srce, ki ga prereže lesena sekira - sekira se ob natančnejšem pregledu izkaže za zatočišče z dvignjenim dimnikom, prispodoba tragedije nedavnega čilskega potresa (podrobno zgodbo o okrevanju po nesreči najdete dalje na vesoljski razstavi čilenskega paviljona Arsenal). Pred dvema letoma je razstavo Arsenala odprla smešna filmska in video instalacija; v nasprotju s spominom nanjo je kamnito srce zelo veliko, grobo in grobo. To je nekakšen velikanski predmet, ob njem se počutite kot v kanibalovi jami in se neizogibno resno uglasite. Stebri Arsenala se začnejo zdeti kot stebri romanske bazilike in na splošno se podobnost tega slavnega razstavnega prostora s templjem nekako poslabša. Možno je, da je bilo to namenjeno.
Takoj za kamnito sekiro je kompaktna kino dvorana s filmom Wima Wendersa, po katerem se lahko hitro sprehodite, da se seznanite s še večjo temo iz Ensamble Studia in njegovega vodje Antona Garcíe-Abrila. Prečkajoč se pod vrstami stebrov in blokirajo ravno pot, v prostoru dvorane počivata dva velikanska dvosmerna trama, podobna tirnicam in sodeč po njihovi sivi barvi, najverjetneje betonski. En velikanski žarek leži na drugem, njegov prosti konec pa leži na vzmeti, visoki kot povprečen človek. Pomlad seveda v resnici ne podpira ničesar, otroci se igrajo z njo, a izgleda zelo impresivno. Tega ne moremo imenovati "pomlad"; in če je že v prvi dvorani obseg postavljenega kiparskega predmeta ustrezal velikosti notranjosti, potem se zdi, da je ta prevelika tudi za arsenalno notranjost, jo nekoliko preseže in celo zatre.
Iz tako napredujoče rasti nehote pomisliš - moj bog, kaj se bo zgodilo naprej. Potem pa se znajdemo v oblaku ("naravni velikosti" - kot piše v kuratorskem manifestu), ki sta ga skupaj zgradila japonski arhitekt Tetsuo Kondo in inženir Matthias Schuler iz nemškega podjetja Transsolar, specializiranega za podnebni inženiring (poznavanje posebnosti podjetja, lahko je uganiti, zakaj oblak; nadzor nad podnebjem se je prikradel v Arsenal in v njem uredil svoje vreme …). Dvorana je napolnjena z belkasto meglico, ki jo skozi luknje v steni črpajo posebne instalacije. Megla se širi na nivoju galerij, na sredini pa je zgrajena spiralna konstrukcija, ki se vzpenja po kateri lahko greš skozi oblak in ga pogledaš od zgoraj. Oblak se razprostira v večplastnih koščkih, zgoraj je zadušno, kot v kopeli, vendar je učinek čudovit. Res je, da so Moskovčani imeli podoben učinek šele avgusta s prihodom dima v mesto; v Arsenalu pa je ta oblak debelejši, na videz varen.
Kustos tako razlaga skupno delo rojaka in nemškega inženirja: potisne nas k novemu razumevanju vesolja, čeprav le zato, ker so meje oblaka zamegljene. Meje so resnično zamegljene, čeprav so zaprte v okvir dvorane. Potapljanje v meglo je zabavno; a nemogoče se je ne spomniti, kaj so oblaki že storili - najprej slavna arhitekta-umetnika Elizabeth Diller in Ricardo Scofidio. Morda zato kustos v svojem sporočilu nežno ugotavlja: niso vse instalacije slogovno izvirne, a mnoge predstavljajo vrhunec sodobne tehnologije.
Indijski studio Mumbai je naslednjo veliko dvorano naredil z ostanki lesenih modelov in s stropa obesil klasične trikrake ventilatorje, ki so jih spremenili v "delavnico" - za tako velik prostor pa stvari še vedno niso dovolj, popolnoma ustvarjena iluzija umetniških blokad ne nastaja; v primerjavi s prvimi instalacijami se je izkazalo za majhno, a prijetno.
R & Sie (n), pariško arhitekturno podjetje François Roche in Stéphane Laveau, ki sta pred dvema letoma v italijanskem paviljonu pokazali bele modele bioničnih skulpturnih zgradb, so eno svojih bizarnih bitij spustili v Arsenalovo sobo in jo spremenili v mizo na noge. Po eni strani je ta Marsovska zver prekrita s steklenimi izrastki, žareče z zelenkasto lučjo, monitorji poženejo z nasprotnega konca, na sredini nad koščkom nekega večbarvnega psevdominerala pa naprava, podobna Geigerjevemu števcu. V razlagi se avtorji spomnijo Tarkovskega "Zalezovalca" in govorijo o mejah civilizacijskih dosežkov - verjetno bi se ta postavitev morala odzvati na kustosovo tezo o "mejah". Ker v nasprotju s sosedi nikakor ne vpliva na prostor; namesto tega nam pokaže eksotičnega prebivalca, ki živi v notranjosti.
Toda dvorana Olafurja Eliassona je zelo učinkovita: v temi so na stropu obešene tri cevi, ki se razpršijo po domišljijsko previjajočih se curkih vode, ki se razločijo v živčnih bliskih stroboskopske svetlobe. Egzotični tuš je očarljiv, a ga je težko fotografirati. Moram reči, da besede Sejime, da številne slike ne bodo nove, resnično držijo - Eliasson je prvi podoben tuš naredil že leta 1996.
Nadalje - spet lahka, lesen okvir ravne kupole kitajskega urada s francoskim imenom Amator (kar pomeni amater). V resnici je bilo, kot da bi amaterji te matrice zvijali skupaj z vijaki; toda sama zmožnost prehoda meje kupole, kjer je običajno nemogoče prečkati in dobesedno "vstopiti v kupolo", je precej radovedna (spet meje).
K tej vrstici moramo dodati glasbeno dvorano Jeanette Cardiff, kjer so zvočniki postavljeni v krog, v sredini pa so stoli za poslušanje nastale (volumetrične? Arhitekturne?) Glasbe. In komplet bo popoln. Tu je le sklop česa?
Obljubljena arhitektura v njem na prvi pogled ni dovolj. To pomeni, da seveda najdemo tradicionalne postavitve in tablice v skupnem zaporedju: najbolj opazen za rusko oko je tekmovalni projekt stavbe muzeja Perm iz Valerija Oljatija, najbolj opazna za oko pa je Taichung Opera projekt Toyo Ito. Ta zgradba, ki je videti kot majhen fragment, izklesan iz zelo velikega termita (na koncu Kitajske), je predstavljena s podrobnimi podrobnostmi in opremljena s popolno dokumentacijo, ki leži na mizah v obliki debelih albumov v avtorjevem jeziku. Toda tako podrobno prikazan projekt je izjema in verjetno posledica svobode, ki jo je izjavil kustos. Razstavo Arsenala tvorijo instalacije, poleg tega pa jih ne delajo vedno arhitekti, ampak, kot vidimo, inženirji in pogosteje umetniki, ki v tej zvrsti delajo profesionalno in dobro. Na primer Olafur Eliasson - v njegovem portfelju je veliko dobrih in drugačnih, običajno obsežnih instalacij (tam je mimogrede več "oblakov", Dealer in Scofidio v tej zvrsti nista edina). Matthias Schuler je inženir. To pomeni, da kuratorska razstava v Arsenalu nikakor ni postala razstava arhitektov.
To ne pomeni, da v njem ni nobene arhitekture. Zdi se mi, da je Kazuo Sejima kot avtor muzejskih prostorov celotno razstavo spremenil v arhitekturo kot celoto: ni jo oblikovala kot oblikovalka in je niti ni sestavila kot kustos, ampak jo je zgradila, združujoč večino instalacije v verigo, v kateri vsak udeleženec ponuja svoj način umetniškega dojemanja prostora Arsenala. Tako je Arsenal sam postal glavna razstava. In moram reči, da je odnos do tega razstavnega prostora paradoksalen - vsi ga imajo zelo radi, toda pri organizaciji razstav v njem ne posvečajo veliko pozornosti, preprosto dajo nekaj v njega. Arsenal je verjetno užaljen zaradi takšnega zaničevanja, videti je mračen in občinstvo pritiska z obsegom. Je pa sam po sebi dober in lepo je, da je novi kustos to opazil.
V tem primeru kuratorska razstava ne prikazuje toliko arhitekture kot same sebe. In prehod skozi razstavo postane ne branje, ne premišljevanje in ne gledanje, temveč - potopitev v arhitekturo (tako potopljena v tuji jezik). In udeleženci razstave, "domnevno svobodni" umetniki in inženirji, so za Sejima postali sredstvo arhitekturnega razumevanja prostora Arsenala. Kar mimogrede drži, če se spomnimo, da je arhitektura glavna umetnost, ostali pa so jo nekoč ubogali. Tukaj je kustos iz SANAA in jih je vse podredil, a zelo, zelo nevsiljivo. Razstave v notranjosti ni uredila, je pa prostor napolnila z vsebino. Notranjost Arsenala ji je, kot da bi ji povrnila, pridružila se je vlogi "glavne razstave" in postala prijetnejša. Vsekakor pa ga zdaj želim pogledati in dolg prehod skozi Arsenal tokrat ni tako naporen kot pred dvema letoma.
Morda je to posledica dejstva, da ima veliko praznin in ne preveč vsebine - trdno obliko in celo tisto breztežno, japonsko-šintoistično: svetloba, tema (v notranjosti prepleteni kot jin in jang), kamen, oblak, voda, zvok … Verjetno lahko celo rečete, da je Sejima v Arsenalu uredil številne reprodukcije že znanih instalacij in jih uporabil kot sredstvo za delo arhitekta z nedosegljivimi elementi, za ulov nedosegljivih, bleščečih, senčnih - stvari, v katerih je japonska kultura tako močna. V Arsenalu je vredno doživeti.
Razstava je kot celota in razmislek o glavnih elementih dobro sprejeta. Besede pa malo manjka; obstajajo ključni - na primer vesolje in meja, o katerih Sejima nenehno govori, tudi na včerajšnji tiskovni konferenci. Vse druge besede so zbrane na "strogo določenih mestih"; Arsenal ima sobo za razgovore, napolnjeno s stoli in monitorji s slušalkami - ljubitelji besed lahko tam zelo dolgo uživajo v govorih, seznam govornikov zavzame celo steno.
Skratka, zdi se, da je kuratorsko razstavo v Arsenalu pravilno razumeti kot drugo arhitekturno delo SANAA.
Sicer pa struktura razstave, ki jo pozna marsikdo, ostaja nespremenjena. Kuratorska razstava v Arsenalu, v nekdanjem "italijanskem paviljonu", preimenovana v Palazzo Espozicione (razstavna palača); razstave nacionalnih paviljonov v Giardiniju in "vzporedni program" v mestu. Sedanji bienale je do neke mere jubilej - minilo je 35 let od prve arhitekturne razstave iz cikla beneškega bienala. Od tod dogodki ob obletnici in spomini na pretekle bienale. V Kolumnski dvorani palače Justinijan (palača, kjer je sedež organizacijskega odbora bienala) se je včeraj odprla razstava o zgodovini zadnjih 11 let beneškega bienala, nekakšno poročilo o dosežkih beneško razstavno gospodarstvo; gosti tudi razstavo LUMA, ki predstavlja "arhitekturni program za nov kulturni model" Franka Gehryja.
Drugi del jubilejnega programa bienala bo "Arhitekturne sobote" - kot piše v sporočilu za javnost organizatorjev, bodo tri mesece ob sobotah v Benetkah potekala srečanja s pomembnimi osebnostmi preteklih razstav, vključno s kustosi prejšnjih bienalov Vittorio Gregotti (Vittorio Gregotti, 1975 1976, 1978), Paolo Portoghesi (1980, 1982, 1992), Francesco Dal Co (1988, 1991), Hans Hollein (1996), Massimiliano Fuksas (2000), Dian Sudjic (2002), Kurt W. Forster (2004), Richard Burdett (2006), Aaron Betsky (2008).
Načrtujemo postopno objavljanje podrobnejših poročil o razstavah in dogodkih bienala. Razstava bo trajala do 21. novembra.
